LA COMPOSICIÓN EN EL ARTE
La composición, es un proceso mediante el cual se ordenan los elementos visuales (puntos, líneas y planos) del lenguaje plástico y visual para crear un efecto de unidad y orden.
La composición en el arte se da partir de la aplicación de uno o varios de los siguientes mecanismos, lo cual dependerá de la intención del autor, es decir, en toda obra podríamos encontrar varias formas de composición, pero una o algunas de ellas tendrán mayor relevancia de acuerdo al objetivo que el autor pretenda, lo que da razón a la siguiente clasificación.
1. COMPOSICIÓN POR FORMATO:
Tamaño, Forma, Dirección y Número.
2. COMPOSICIÓN POR ESQUEMA:
Líneas, Espacios, Figuras geométricas y Planos.
3. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO:
Peso, Estático y Dinámico.
3.1 COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / PESO:
Ubicación, Color o Contraste y Reconocimiento o similitud.
3.2. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / ESTÁTICO:
Simetría, Repetición y Modulación.
3.2.1. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / ESTÁTICO / SIMETRÍA:
Axial, Radial, Geométrica y Aparente.
3.2.2. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / ESTÁTICO / REPETICIÓN O MODULACIÓN:
3.3. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / DINÁMICO:
Jerarquización, Diversidad - Relación, Contraste y Ritmo.
3.3.1. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / DINÁMICO / RITMO:
Repetición o Periodicidad, y Movimiento o Estructuración.
3.3.2. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / DINÁMICO / RITMO / REPETICIÓN O PERIODICIDAD: Lineales, Formales y Cromáticos.
3.3.3. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / DINÁMICO / RITMO / MOVIMIENTO O ESTRUCTURACIÓN: Continuos, Alternos, Discontinuos y Crecientes.
4. COMPOSICIÓN POR LEYES DE LA PERCEPCIÓN:
Cierre, Continuidad y Semejanza.
5. COMPOSICIÓN POR LEYES DE LA PERSPECTIVA:
Elementos de la perspectiva, Lineal, Aérea, Paralela, Oblicua, Invertida, Jerárquica, Axonométrica, Caballera y Cónica.
6. COMPOSICIÓN POR PROPORCIÓN:
Sección áurea, Rectángulo áureo y Número de oro.
1. COMPOSICIÓN POR FORMATO.
Está referida exclusivamente a la parte exterior de la obra, dentro de este tipo de composición se encuentran:
TAMAÑO: Hace referencia a las medidas o dimensiones de la obra. Los formatos se pueden clasificar en: Miniaturas, Pequeño, Medio, Gran formato, Mural, Instalación o Intervención espacial.
COMPOSICIÓN POR FORMATO DE ACUERDO AL TAMAÑO.
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FORMA: Esta forma de composición hace referencia a la figura o forma exterior de la obra. Dentro de este tipo de composición se encuentran otras características (subjetivas, a mi parecer) que han un dado un valor adicional a estos, así:
Formato vertical: Sensación visual de equilibrio y elevación. Se ha utilizado mucho para temas religiosos porque potencia el sentido de elevación y espiritualidad.
Formato horizontal: Calma y estabilidad. Muy utilizado en temas de paisaje y en bodegones, donde ayuda a crear el efecto de orden de sus elementos.
Formato circular: Movimiento envolvente.
Formato cuadrado: Centra la visión y equilibra las tensiones visuales.
Formato triangular: Da gran estabilidad a las formas situadas en su base y limita la expansión de las formas en la parte superior.
COMPOSICIÓN POR FORMATO DE ACUERDO A LA FORMA.
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DIRECCIÓN: Esta corresponde a la posición que tiene la obra en el espacio, ya se ésta Horizontal, Vertical o Diagonal independiente de la dirección interna de la misma, cuando la dirección exterior es igual a la interior, lo que hace el artista es reforzar esa idea de direccionalidad y cuando la dirección exterior es diferente de la dirección interior se busca un sentido de equilibrio y contraste.
COMPOSICIÓN POR FORMATO DE ACUERDO A LA DIRECCIÓN.
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FORMATO Y DIRECCIÓN
HORIZONTAL
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FORMATO Y DIRECCIÓN
VERTICAL
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FORMATO HORIZONTAL Y
DIRECCIÓN DIAGONAL
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ALEXANDRÉ CABANEL.
El nacimiento de Venus. 1863. 130 x 225. Museo de Orsay. París. Francia
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JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES.
Venus Anadyomène. 1848. Oil on canvas. 193 x 92 cm. Musée Condé. Chantilly.
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FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES.
La maja desnuda. 1795. Óleo sobre lienzo. 95 x 188 cm. Museo del Prado. Madrid. España.
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FORMATO HORIZONTAL Y
DIRECCIÓN VERTICAL
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FORMATO VERTICAL Y
DIRECCIÓN DIAGONAL
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FORMATO HORIZONTAL Y VERTICAL
DIRECCIÓN HORIZONTAL Y VERTICAL
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FRANÇOIS BOUCHER.
El almuerzo.1739. Lienzo. 82 x 66 cm. Museo del Louvre. París. Francia.
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HUBERT Y JAN VAN EYCK.
Políptico de la Adoración del Cordero Místico. 1432. 134,3 x 257,5 cm. Catedral de San Bavón, Gante. Bélgica.
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NÚMERO: Aun cuando no es mencionada, se encuentran dentro de la composición un tipo de formato conformado por dos o más partes de una misma obra, en donde cada componente se vincula al otro por medio de un elemento conector, ya sea el color, la forma, la textura, Etc. Cuando una obra se realiza aplicando este tipo de formato, si está bien ejecutada, los elementos que la componen deberán comportase de manera tal, que cada uno por separado actúan como una única obra, en caso contrario solo será una obra partida en varias partes algo así como un rompecabezas “puzzle”. Esta forma de composición es importante, en tanto que requiere de una intención predeterminada, pues de esta dependerá la calidad de la obra misma, y hace referencia a la cantidad de partes que componen o hacer pare de la obra, esto implica que la obra podrían variar los tamaños, las dirección y las formas dentro de una misma obra, dentro de esta forma de composición podemos encontrar Díptico (2), Tríptico (3) y Políptico (4 en adelante).
COMPOSICIÓN POR FORMATO DE ACUERDO AL NÚMERO O CANTIDAD.
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DÍPTICO
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TRÍPTICO
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POLÍPTICO
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2. COMPOSICIÓN POR ESQUEMA.
La composición por esquemas, también conocida como Esquemas Compositivos, hace referencia a la forma como se organizan los espacios donde van a situarse los elementos, establecen las jerarquías y unen los elementos dentro de la obra; el objetivo principal de los esquemas compositivos es el de generar un recorrido visual intencionado, en donde el artista a través de estos elementos o códigos “ocultos” determina el grado de importancia de los objetos dentro de la obra, así como el recorrido visual al interior de la obra que hará el espectador.
La composición por esquemas o esquemas compositivos, están conformados por líneas, figuras geométricas y planos, que el autor usa de manera independiente o combinada, razón por la cual se pueden establecer dos tipos de composición por esquema:
Composición por esquemas simple: Los que hacen uso de un solo esquema compositivo
Composición por esquemas compleja: Los que hacen uso de dos o más esquemas compositivos.
COMPOSICIÓN POR ESQUEMA
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SIMPLE
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COMPLEJO
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Esquemas compositivos más usados:
ESQUEMAS COMPOSITIVOS.
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DIAGONAL.
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ELE.
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TE.
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X o ASPAS.
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ESE.
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CUÑA.
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RADIAL.
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CIRCULAR.
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OVALADO.
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TRIANGULO.
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PIRÁMIDE.
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SIMÉTRICA.
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PLANOS.
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3. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO:
En Según la física, el equilibrio es el estado de un cuerpo en el cual las fuerzas que operan en él, se compensan mutuamente. El equilibrio se relaciona principalmente con el peso compositivo, la dirección y la anisotropía, con las leyes y postulados de la armonía, y la estética. E profesor Villafañe distingue la existencia de dos tipos básicos de equilibrio compositivo (Villafañe, 1987, p. 181). Composición equilibrada estática y dinámica, un último tipo de composición por equilibrio será el peso.
3.1 COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / PESO:
El peso es la fuerza que posee un elemento dentro de una composición para atraer o repeler a los demás elementos que se encuentran próximos a él. El peso de un elemento viene determinado por su tamaño o por la posición en que éste ocupe respecto del resto de elementos. Este peso también puede ser determinado no ya por un elemento en particular, si no por las tensiones del de los esquemas compositivos aplicados en la obra determinando así, un efecto visual denominado centro de interés; en esta forma de composición puede darse por Ubicación, Color o Contraste y Reconocimiento o similitud.
COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / PESO / UBICACIÓN:
Hace referencia al lugar que ocupa un determinado objeto dentro de la composición, lo cual determinará que su peso contribuye a mantener o ejercer equilibrio dentro de la obra.
COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / PESO / UBICACIÓN:
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MENOS PESO
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MÁS PESO
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MENOS PESO
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MÁS PESO
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MENOS PESO
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MÁS PESO
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MUCHO MÁS PESO
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MAYOR PESO
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COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / PESO / COLOR O CONTRASTE:
Dentro de las reglas compositivas otra de las maneras de componer una obra, es la que nos habla del equilibrio en la composición por el color que usemos o apliquemos en ella, este tipo de composición deberá tener en cuenta el color del fondo de la obra pues este, permitirá obtener un resultado mayor cuando la aplicación compositiva se lleva a cabo dentro de un fondo neutro (preferiblemente) esto teniendo en cuenta que los colores por su longitud de onda, por la formación de la imagen delante o detrás de la retina, y por su expresión psicológica, se agrupan en excéntricos o salientes o concéntrico o entrantes, razón por la que aumentan o disminuyen el peso y el tamaño de los objetos o formas coloreadas y también la sensación de proximidad o lejanía.
Las superficies claras reflejan toda la luz que reciben y las de color oscuro absorben todas las radiaciones, es así como los colores claros generan una sensación de amplitud, es decir como si el color se expandiera o saliera; mientras que los colores oscuros dan la sensación de comprimirse o recogerse, esto ocurre con cada color dependiendo de su grado de luminosidad, es decir, de acuerdo a la cantidad de luz que posea, este efecto de color permite construir o afirmar la sensación de perspectiva, los colores cálidos son radiantes y los colores frio son centrípetos esta es la razón por la cual los objetos más cercanos serán de colores cálidos y los objetos más lejanos pertenecerán a la categoría de colores fríos.
El peso de los colores puede variar de acuerdo a diferentes teorías, una de ella señala que los colores más pesados son los oscuros porque parecen más densos, más pesados; una segunda teoría dice que los colores más pesados son los claros por ser más radiantes y producen la sensación de aumento en el tamaño de las cosas; y una última teoría hace referencia a la interacción de los colores, lo cual indicara que el peso de un color dependerá de la relación que establezca con los que se encuentren próximos a este por esta razón los colores oscuros pesaran más sobre un fondo claro y los colores claros pesaran más sobre un fondo oscuro. De acuerdo con lo anterior podemos establecer que la composición por equilibrio en relación con el peso por color o contraste, puede establecerse así:
Los colores claros: pesan más que los oscuros por que irradian luz haciendo que la superficie parezca mayor.
Los colores cálidos: pesan más que los fríos debido a la sensación de proximidad.
Los colores saturados: pesan más que los menos saturados. En el apartado referido al EL COLOR en este blog, encontrara la información acerca de las cualidades del color.
Los colores de mayor contraste: pesan más que los de poco contraste.
COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / PESO / COLOR O CONTRASTE
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COLOR CLARO = MÁS PESO
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COLOR CÁLIDO = MÁS PESO
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COLOR SATURADO = MÁS PESO
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COLOR CON MÁS CONTRASTE = MÁS PESO
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COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / PESO / RECONOCIMIENTO O SIMILITUD:
En la composición artística las formas son más pesadas cuanto más fáciles son de reconocer, es decir que la referencia que visual de aquello que nos parece conocido será captado más rápidamente por nuestros ojos. De esta manera las formas básicas geométricas serán las más pesadas y las formas más complejas serán menos pesadas. Un ejemplo de este tipo de composición se obtiene al comparar dos formas del arte, el arte figurativo y el arte abstracto, en el primero todas las imágenes son reconocibles en tanto aluden a un objeto real; para el segundo la representación o copia del mundo real pierde sentido en tanto que es el concepto o la idea personal del artista es la razón de ser de la obra.
COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / PESO / RECONOCIMIENTO O SIMILITUD
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ARTE FIGURATIVO
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MÁS RECONOCIBLE = MÁS PESO
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ARTE ABSTRACTO
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LUIS CABALLERO HOLGUIN
Tríptico
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3.2. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / ESTÁTICO:
Simetría, Repetición y Modulación.
3.2.1. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / ESTÁTICO / SIMETRÍA:
Simetría, del latín symmetrĭa, es la propiedad de un objeto y la exacta correspondencia de todas las partes de una figura manteniendo un equilibrio armónico consistente en reflejar las características (forma, tamaño y posición relativa de sus partes) en un eje o un plano imaginario de una obra, objeto, imagen o ser; la simetría puede ser:
AXIÁL O BILATERAL: Cuando estos elementos se organizan respecto a un eje de simetría. Es la que permite que se obtenga un retrato bilateral que tiene como espina dorsal un eje de simetría. A los lados de este aparecen formas iguales a la misma distancia de él que serán las que permitan crear ese citado retrato.
RADIAL: Es el giro que experimenta todo motivo de manera repetitiva hasta que finaliza consiguiendo la posición idéntica que tenía al principio.
POR ROTACIÓN: Cuando estos elementos se organizan respecto a un punto de simetría.
GEOMÉTRICA O DE ABATIMIENTO: En este caso lo que se logra es dos partes idénticas de un objeto concreto tras llevarse a cabo un giro de 180º de una con respecto a la otra. La correspondencia exacta en la disposición de los puntos o partes de un cuerpo o forma respecto a un centro, eje o plano.
APARENTE: Es la que cumpliendo las normas generales de la simetría varían ligeramente la disposición de los puntos o partes de un cuerpo o forma respecto a un centro, eje o plano.
POR TRASLACIÓN: Este es el término que se utiliza para referirse al conjunto de repeticiones que lleva a cabo un objeto a una distancia siempre idéntica del eje y durante una línea que puede estar colocada en cualquier posición.
POR AMPLIACIÓN: Se emplea para dejar patente que dos partes de un todo son semejantes y es que tienen la misma forma pero no un tamaño igual.
COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / ESTÁTICO / SIMETRÍA
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SIMETRÍA AXIÁL O BILATERAL
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SIMETRÍA RADIAL
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SIMETRÍA GEOMÉTRICA O DE ABATIMIENTO
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SIMETRÍA APARENTE
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SIMETRÍA POR TRASLACIÓN
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SIMETRÍA POR ROTACIÓN
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SIMETRÍA POR AMPLIACIÓN
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3.2.2. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / ESTÁTICO / REPETICIÓN Y MODULACIÓN.
COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / ESTATICO / REPETICIÓN Y MODULACIÓN.
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REPETICIÓN
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MODULACIÓN
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3.3 COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO DINÁMICO.
La creación de una imagen asimétrica nos transmite una sensación de flexibilidad y vitalidad. El equilibro compositivo dinámico se produce cuando no existe relación simétrica en la composición, al introducir una desigualdad en el reparto de volúmenes siendo las fuerzas visuales diferentes. Esta asimetría o inestabilidad se alcanza al ser desiguales el reparto de volúmenes a ambos lados del eje o centros imaginario. El resultado es una composición donde necesariamente el todo adquiere un carácter de global sobre las partes. Y se basa en el uso de cuatro técnicas compositivas:
Jerarquización del espacio visual: Todas las formas que aparecen en una composición no tienen la misma importancia.
Diversidad de elementos y relaciones visuales.
Contrastes.
Ritmo: Consiste en la repetición de un elemento visual en un intervalo espacial determinado.
COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO DINÁMICO
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JERARQUIZACIÓN
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DIVERSIDAD Y RELACIÓN
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YUKIO FAKAZAWA.
Flag. 1966. Magic ink, aquatint, drypoint. 60 x 36.4
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CONTRASTES.
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RITMO
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3.3.1. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / DINÁMICO / RITMO:
Repetición o Periodicidad, y Movimiento o Estructuración.
COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / DINÁMICO / RITMO
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REPETICIÓN O PERIODICIDAD
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MOVIMIENTO O ESTRUCTURACIÓN
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3.3.2. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / DINÁMICO / RITMO / REPETICIÓN O PERIODICIDAD: Lineales, Formales y Cromáticos.
COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / DINÁMICO / RITMO / REPETICIÓN O PERIODICIDAD
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LINEALES
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FORMALES
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CROMÁTICOS
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3.3.3. COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / DINÁMICO / RITMO / MOVIMIENTO O ESTRUCTURACIÓN: Continuos, Alternos, Discontinuos y Crecientes.
COMPOSICIÓN POR EQUILIBRIO / DINÁMICO / RITMO / MOVIMIENTO O ESTRUCTURACIÓN
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CONTINUOS
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ALTERNOS
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DISCONTINUOS
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CRECIENTES
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EUGENIO SALVADOR DALI.
La tentación de san Antonio. 1946. Óleo sobre lienzo. 90 x 119 cm. Musées Royaux des Beaux-Arts de Bélgica. Bruselas.
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4. COMPOSICIÓN POR LEYES DE LA PERCEPCIÓN.
Percepción del término latino perceptio, describe tanto a la acción como a la consecuencia de percibir. Es la capacidad para recibir, comprender y conocer por medio de los sentidos corporales (Vista, Oído, Gusto, Olfato, Tacto), a través de los cuales el ser humano DESCUBRE, ORGANIZA y RECREA las sensaciones externas (e Internas) adquiriendo conciencia de sí mismo y del mundo que le rodea para conformar la (o su) realidad.
Percepción también se define como el proceso cognoscitivo a través del cual las personas son capaces de comprender su entorno y actuar en consecuencia a los impulsos que reciben; se trata de entender y organización los estímulos generados por el ambiente y darles un sentido y que hará que el individuo envié o emita una respuesta en consecuencia.
La percepción puede hacer mención también a un determinado conocimiento, a una idea o a la sensación interior que surge a raíz de una impresión material derivada de nuestros sentidos.
Para la sicología, la percepción es una función que le posibilita al organismo recibir, procesar e interpretar la información que llega desde el exterior valiéndose de los sentidos.
PERCEPCIÓN
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En el mundo del arte, más aun en el de la pintura la percepción es de vital importancia, el autor transforma diversos elementos, puntos, líneas, formas, texturas para que podamos percibir algo inexistente, es solo material pictórico lo que vemos (Oleo, tiza, acrílico, Etc.) esparcido sobre una superficie, los elementos circulares son óvalos, la distancia, la profundidad y el volumen no existen; están todos en el mismo plano; las texturas son gradaciones de color. El artista lo sabe, por eso lo que vio (el modelo) no fue lo que pinto, pero su maestría le permite mostrarnos no lo que es, si no como se ve. |
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SENSACIÓN Y PERCEPCIÓN.
Una sensación es la respuesta automática a los estímulos (exteriores o interiores) captados por nuestros sentidos.
Una percepción, es la interpretación de una sensación. Es la información que además de captada por nuestros sentidos es procesada en nuestro interior (cerebro) para adquirir posteriormente un significado o una idea.
SENSACIÓN Y PERCEPCIÓN.
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La imagen que apreciamos al lado corresponde a una Chrysanthemun leaucanthemum o margarita común, y la sensación que nos produce es de tipo cromático debido al tono verde en sus pétalos, lo que nos genera una sensación de extrañeza, nuestra percepción de esa flor es que sus pétalos siempre serán blancos. |
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LOUIS-ALBERT NECKER DE SAUSSURE (1786 – 1861)
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Produjo el primer modelo geológico de la isla de Arran y publicó el primer mapa geológico de Escocia (1808). Despues de 1810 y durante los siguientes 30 años, publicó artículos sobre temas tan diversos como la cristalografía, mineralogía, química, vulcanología, y la luz. Sus teorías influyeron a muchos incluyendo Fox Talbot, en el diseño temprano de cámaras, y Faraday, en sus trabajos sobre la conductividad eléctrica. El cubo de Necker es la figura reversible más conocida. Esta figura, de apariencia plana, se puede interpretar como la representación de un cubo, pero de dos maneras diferentes (cada una de las caras que mantienen su forma cuadrada en la representación puede verse en primer plano). |
CUBO DE NECKER
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JOHN EDGAR RUBIN (1886 - 1951)
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Fue un psicólogo-fenomenólogo danés, recordado por su trabajo sobre la percepción de figura y fondo como se ve en tales ilusiones ópticas, como el jarrón de Rubín. La Copa de Rubín pertenece a una famosa serie de ilusiones ópticas cognitivas desarrollada alrededor de 1915.
Fue introducida por primera vez en su obra Synsoplevede Figurer (Figuras visuales). Rubín incluía una serie de ejemplos, como una cruz de Malta en blanco y negro, pero el que se convirtió en el más famoso fue su jarrón, tal vez porque la cruz de Malta podía ser fácilmente interpretada como una pelota de playa en blanco y negro. La copa presenta una doble visión («percepción multiestable»), la de la copa y la de dos rostros humanos que se miran frente a frente. Esta figura ha sido utilizada por la Psicología de la Gestalt.
Edgar Rubín demostró que la distinción entre lo que es figura y lo que es fondo se debe a distintos factores. Nuestra percepción toma como figura la parte más pequeña, teniendo en cuenta que también influye la concavidad y convexidad. En las imágenes siguientes (Rubín en 1921), la imagen que suele distinguirse como fondo es la convexa (la que "termina en ángulo") independientemente de su color.
También influye la orientación de cada parte de la figura, de forma que normalmente nuestro cerebro elige como figura la que tiene una orientación próxima bien a la horizontal o bien a la vertical. Cuándo las partes de una misma figura presentan similares características entra en juego la subjetividad de cada observador para elegir una u otra opción.
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COPA DE RUBIN
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FIGURA Y FONDO
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TEORÍA DE LA GESTALT
Sicólogos alemanes de principios del siglo XX, agrupados con el nombre de gestaltpsychologie "teoría de la estructura" o de la "organización", y muy aceptada como "teoría de la forma" o "configuración" fueron quienes primero sientan una sólida teoría filosófica de la forma.
GESTALTPSYCHOLOGIE
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(1880-1943) Era un psicólogo alemán y fue el creador de la psicología de la Gestalt. Enseñó en la Universidad de Francfort y allí llevó a cabo el primer experimento de esta nueva psicología. Dicho experimento se basaba en el fenómeno del movimiento aparente, al que denominó fenómeno fi.
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Nació en Estonia en 1887. Estudió en la Universidad de Berlín y se graduó en el año 1909. Fue una de las principales personalidades que dieron origen a la psicología de la Gestalt
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(Berlín, 1886 - Northampton, 1941) Psicólogo alemán, cofundador de la Escuela de Psicología de la Gestalt.
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Max Wertheimer, Wolfgang Köhler y Kurt Koffka, observaron que el cerebro humano organiza las percepciones como totalidades (Gestalts) de acuerdo con ciertas leyes a las que denominaron "leyes de la percepción". Estas leyes enuncian principios generales, presentes en cada acto perceptivo demostrando que el cerebro hace la mejor organización posible de los elementos que percibe, y asimismo, explican cómo se configura esa "mejor organización posible". Posteriormente estas leyes y la mirada del universo cognoscible como una totalidad, fue tomada por diversas disciplinas en ámbitos tan diversos como la comunicación, la arquitectura, la sociología, la psicología social, la ecología, el marketing y otras.
Según lo define la teoría de la Gestalt, las personas percibimos el mundo como un todo y no de forma fragmentada “EL TODO ES DIFERENTE A SUS PARTES”. A través de nuestra percepción somos capaces de entender de qué está formado ese todo y aislar aquello que nos interesa más en cada momento.
Según estudios en torno a esto hay dos factores de la percepción: Biológicos y Aprendidos.
El factor biológico de la percepción viene con nosotros al nacer, de ahí la forma de actuar de un infante, desprevenida, confiada y automática (golpe – llanto)
El factor aprendido de la percepción es el que se transforma durante el trascurso de la vida, de ahí, la opinión o el cambio de esta respecto de una situación o cosa, la predisposición.
Un factor de percepción que aunque no es vinculado a este es la percepción extrasensorial, que es la forma en la percibimos las cosas en la cual los sentidos ordinarios no participan debido a que no pueden explicarse o entenderse a través de conceptos los biológicos o físicos. Tales como: la telepatía (capacidad para leer la mente), precognición (predicción de un hecho que tendrá lugar en el futuro), clarividencia (capacidad para ver cosas que no se encuentran en el espacio) y psicoquinesis (capacidad para modificar la materia a través de la mente). (1)
De acuerdo con lo anterior, la composición por percepción se realiza a partir de varias leyes enunciadas por la teoría de la Gestalt, estas son:
PREGNANCIA O LA BUENA FORMA: la tendencia de la experiencia perceptiva a adoptar las formas más simples posibles. Las partes de una figura que tiene "buena forma", o indican una dirección o destino común, forman con claridad unidades autónomas en el conjunto. Esta ley permite la fácil lectura de figuras que se interfieren formando aparentes confusiones, pero prevaleciendo sus propiedades de buena forma o destino común, se ven como desglosadas del conjunto.
CIERRE: Las líneas que circundan una superficie son, en iguales circunstancias, captadas más fácilmente como unidad o figura, que aquellas otras que se unen entre sí. Las circunferencias, cuadriláteros o triángulos producen el efecto de cerramiento. Esta nueva ley parece ser operativa porque señala el hecho de que las líneas rectas paralelas forman grupos más definidos y estables que los puntos, que delimitan peor un espacio.
CONTINUIDAD: Los detalles que mantienen un patrón o dirección tienden a agruparse juntos, como parte de un modelo. Es decir, percibir elementos continuos aunque estén interrumpidos entre sí.
Tiene elementos de cierre porque partículas independientes tratan de formar figuras, partiendo de la ley de cerramiento. De igual modo toma propiedades de la ley de buena figura o destino común al provocar elecciones de las formas más simples y rotundas. También toma elementos de la ley de experiencia, pues se decide por aquellas formas que tienen figuras reconocibles o son más familiares al perceptor.
Esta ley tiene como caracteres propios la manera de presentarnos las formas. Estas se nos muestran de manera incompleta, inconclusas, como abreviatura o esquemas de fácil interpretación.
FIGURA Y FONDO: Establece el hecho de que el cerebro no puede interpretar un objeto como figura o fondo al mismo tiempo. Depende de la percepción del objeto será la imagen a observar.
Es la de mayor fuerza y trascendencia de las expuestas, porque puede considerarse que abarca todas las demás, ya que en todas late este principio organizativo de la percepción, observándose que muchas formas sólo se constituyen como figuras definidas cuando quedan como superpuestas o recortadas sobre un fondo más neutro.
SIMETRÍA: Las imágenes simétricas son percibidas como iguales, como un solo elemento, en la distancia.
Tiene tal trascendencia, que desborda el campo de la percepción de las formas para constituir uno de los fenómenos fundamentales de la naturaleza. La biología, la matemática, la química y la física, y hasta la misma estética, se organizan siguiendo las leyes especulares, simples o múltiples, de la simetría.
EXPERIENCIA: Desde el punto de vista biológico, el propio sistema nervioso se ha ido formando por el condicionamiento del mundo exterior.
PROXIMIDAD: El agrupamiento parcial o secuencial de elementos por nuestra mente basado en la distancia.
Establece que los objetos contiguos tienden a ser vistos como una unidad.
Los estímulos que están próximos tienden a percibirse como formando parte de la misma unidad.
SIMULITUD: Nuestra mente agrupa los elementos similares en una entidad. La semejanza depende de la forma, el tamaño, el color y otros aspectos visuales de los elementos.
LEYES DE LA GESTALT
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PREGNANCIA
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CIERRE
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CONTINUIDAD
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PROXIMIDAD
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SIMETRÍA
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FIGURA Y FONDO
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ARTE EGIPCIO.
Tumba de Nakht Sheikh Abd el-Gurna. Hacia 1410 a.C. XVIII Dinastía. Pintura sobre estuco.
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EXPERIENCIA
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SIMILITUD
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ARTE EGIPCIO.
El difunto y su esposa adorando a Osiris, cortejo y ritos fúnebres y peregrinación a Abydos. Hacia 1390 a.C. XVIII Dinastía. Pintura sobre estuco. Tumba de Pairy. Sheikh Abd el-Gurna.
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5. COMPOSICIÓN POR LEYES DE LA PERSPECTIVA.
Otra forma de composición muy usada en el arte es la que hace referencia a las leyes de perspectiva, en la cual se emplean elementos de la geometría, pera hablar de perspectiva implica a su vez hablar de componentes necesarios que no pueden pasar desapercibidos y que son los que permiten un entendimiento claro de las mismas, dentro de este tipo de composición además de las otras formas compositivas ya vistas veremos varios elementos que en un orden coherente serian:
PUNTO DE VISTA.
LÍNEA DE HORIZONTE.
PUNTO DE FUGA.
RECTAS.
ÁNGULOS.
VISTAS O PLANOS.
PLANOS DE PROYECCIÓN.
PERSPECTIVA.
PUNTO DE VISTA.
Si la perspectiva hace referencia a la forma como se ven las cosas, será necesario entonces acudir a su elemento más primario, el punto de vista, referido a la acción física de observar y no a otra connotación, por lo cual tendremos que:
La idea de punto de vista refiere al lugar desde el cual una persona observa una situación. Tanto el lugar como el hecho de observar pueden ser concretos o simbólicos (1). Para el caso que nos ocupa serán desde lo concreto.
Cuando hablamos del punto de vista, y desde el lugar físico desde donde alguien observa un objeto o un lugar será necesario tener en cuenta varios elementos que se encuentran implícitos en este, ellos son: el lugar del observador y la posición desde donde observa, el objeto o lugar observado, la distancia desde donde se realiza la observación y la línea de horizonte; la unión de estos determinara establecer, la posición de las rectas, el ángulo que forman y la forma que adoptan los objetos, teniendo como base y referencia la línea de horizonte.
PUNTO DE VISTA
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LÍNEA DE HORIZONTE.
Se le llama Línea de Horizonte, a la recta imaginaria que se encuentra siempre a la altura de los ojos del observador y cambia de acuerdo a la posición de este con respecto de los ejes horizontal y vertical, Línea de Horizonte es el elemento sobre el cual se apoyan varios de los trazados de una perspectiva y permite generar la noción de profundidad; pues sobre esta es en donde se ubica el o los puntos de fuga, y del que llegan o parten las rectas que permiten la construcción de la perspectiva.
PUNTO DE FUGA.
El concepto de punto de fuga se emplea para nombrar a un cierto lugar geométrico. Los lugares geométricos son grupos de puntos que permiten satisfacer ciertas propiedades geométricas: en el caso específico del punto de fuga, se trata del lugar en el cual confluyen las proyecciones de todas las rectas paralelas a una cierta dirección en el espacio, pero que no son paralelas al plano de la proyección.
Esto quiere decir que los puntos de fuga son tantos como la cantidad de direcciones que haya en el espacio en cuestión. Por eso se dice que el punto de fuga se encuentra en el infinito y es impropio.
Podemos entender el punto de fuga si observamos las tablillas de madera que forman un piso de parquet (entarimado). Dichas tablillas son iguales en cuanto al tamaño y crean líneas paralelas entre sí. Sin embargo, al observarlas, las que se encuentran alejadas parecen más pequeñas y las líneas resultan cada vez más cercanas entre sí a la vista. La virtual prolongación de dichas líneas haría que éstas converjan en su punto de fuga.
El punto de fuga, por lo tanto, es aquel lugar donde las rectas paralelas se juntan de acuerdo a la perspectiva. Los puntos de fuga son muy importantes para la realización de dibujos, ya que permiten dar sensación de profundidad y mantener la perspectiva que tendría un observador desde un cierto punto de vista.
Además de la importancia que tiene el aprendizaje de este concepto para elaborar dibujos proporcionados y armoniosos en cuanto a las dimensiones de sus elementos, también permite realizar el sombreado con mayor precisión. Una de las claves de un dibujo bien hecho es la aplicación de luces y sombras, ya que la escena cobra vida al mostrar esta propiedad tan característica de nuestra realidad, la iluminación.
Si tomamos las direcciones ortogonales que corresponden a los ejes espaciales que solemos denominar X, Y y Z, los puntos de fuga permiten tener en cuenta una perspectiva frontal, una perspectiva oblicua o una perspectiva aérea, de acuerdo a la proyección que se realice.
Es importante señalar que el punto de fuga no sólo nos permite reproducir una escena con precisión, sino que también es una herramienta fundamental para alterar la percepción y para concebir imágenes imposibles de encontrar en la realidad. Jugar con las perspectivas es necesario para lograr ciertos efectos, y esto se puede llevar a cabo cambiando la ubicación del punto de fuga. (1)
RECTAS.
ELEMENTOS GEOMÉTRICOS USADOS EN LA CONSTRUCCION DE LA PERSPECTIVA
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LÍNEAS PARALELAS
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LÍNEAS CONVERGENTES
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LÍNEAS OBLICUAS / INCLINADAS
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LÍNEAS DIVERGENTES
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Se llaman líneas paralelas (o equidistantes) a los segmentos de líneas o líneas que mantienen una misma dirección e igual distancia y nunca se encuentran.
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Las líneas convergentes son aquellas que partiendo de puntos diferentes tienen como encuentro un punto en común.
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Una recta oblicua es aquella que, al intersecar otra recta, crea un ángulo que no mide 90º (es decir, no se trata de un ángulo recto). Los ángulos creados por las rectas oblicuas, por otra parte, no son iguales (no miden lo mismo).
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Las líneas divergentes, son aquellas que partiendo de un mismo punto, de van luego separando progresivamente.
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ÁNGULOS.
A partir de uso y aplicación de puntos de fuga, rectas paralelas, convergentes, oblicuas, divergentes y línea de horizonte; se conforman otros elementos geométricos conocidos como Ángulos.
Un Ángulo es la porción de plano limitada por dos semirrectas con origen en un mismo punto. Las semirrectas se llaman lado inicial y final. Al origen común se le denomina vértice del ángulo; estos se clasifican de acuerdo a su medida, a la posición y a la suma de estos.
Ángulos de acuerdo a su medida: Un ángulo se forma cuando dos líneas rectas se unen. La amplitud del giro de un ángulo se puede medir, y la unidad que se utiliza para expresarlo se llama grado (X°).
CLASIFICACIÓN DE ÁNGULOS SEGÚN SU MEDIDA
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Si un ángulo tiene 0°, se llama ángulo nulo.
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Si un ángulo tiene menos de 90°, se llama ángulo agudo.
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Un cuarto de vuelta es un giro de 90°, también llamado ángulo recto.
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Si un ángulo tiene más de 90°, pero menos de 180°, se llama ángulo obtuso.
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Media vuelta completa (lo que significa pasar justo al lado opuesto) es un giro de 180°. Este tipo de ángulo se llama ángulo llano.
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Si un ángulo mide más de 180°, se llama ángulo cóncavo
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CLASIFICACIÓN DE ÁNGULOS SEGÚN SU POSICIÓN
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Ángulos consecutivos son aquellos que tienen el vértice y un lado común.
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Ángulos adyacentes son aquellos que tienen el vértice y un lado común, y los otros lados situados uno en prolongación del otro.
Forman un ángulo llano
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Ángulos opuestos por el vértice son los que teniendo el vértice común, los lados de uno son prolongación de los lados del otro.
Los ángulos 1 y 3 son iguales.
Los ángulos 2 y 4 son iguales
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CLASIFICACIÓN DE ÁNGULOS SEGÚN SU SUMA
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Ángulos complementarios: dos ángulos son complementarios si suman 90°
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Ángulos suplementarios: dos ángulos son suplementarios si suman 180°
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Si un ángulo mide más de 180°, se llama ángulo cóncavo, pero si un ángulo tiene menos de 180°, se llama ángulo convexo.
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VISTAS O PLANOS.
Vista o plano es el nombre técnico que se le da en artes, fotografía, diseño o arquitectura a la imagen determinada de un objeto o lugar y que hace referencia a la posición del observador con respecto del objeto o lugar observado, de acuerdo a esto cada posición o ubicación de observador generara un tipo de distorsión del objeto o lugar al que observa.
VISTAS O PLANOS.
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PLANO CENITAL
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PLANO PICADA
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PLANO PICADA OBLICUA
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PLANO FRONTAL
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PLANO FRONTAL OBLICUA
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PLANO CONTRAPICADA
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PLANO CONTRAPICADA OBLICUA
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PLANO NADIR
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PLANOS DE CUADRO O PROYECCIÓN.
Es el plano que se interpone entre el objeto y el observador sobre el que se obtiene la perspectiva. Este se corresponde con el papel sobre el que dibujamos la perspectiva. Es una superficie plana que está limitada por líneas perpendiculares entre sí. Los planos de proyección se clasifican en:
PLANO VERTICAL: Es una superficie plana que se presenta de frente al observador.
PLANO LATERAL: Es una superficie plana que se presenta en unos de los lados del observador.
PLANO HORIZONTAL: Es una superficie plana que sirve de soporte a los planos vertical y lateral.
LÍNEA DE TIERRA.
Es una línea que intercepta a dos de los tres planos de proyección. Se clasifica en:
LÍNEA DE TIERRA VERTICAL: Es la línea que intercepta a los planos vertical y lateral.
LÍNEA DE TIERRA LATERAL: Es la línea que intercepta a los planos lateral y horizontal.
LÍNEA DE TIERRA HORIZONTAL: Es la línea que intercepta a los planos horizontal y vertical.
PLANOS EN PERSPECTIVA: Es la forma de ubicación de los planos uno con relación al otro.
PLANOS EN DESCRIPTIVA: Es cuando se le da a la perspectiva un giro de 90 grados a los planos vertical y lateral, permaneciendo fijo el horizontal. (1)
PLANOS DE PROYECCIÓN.
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PL: Plano Lateral. PV: Plano Vertical. PH: Plano Horizontal
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5.1 PERSPECTIVA
ANTECEDENTES
Los orígenes de esta ciencia se remontan a la antigüedad griega donde recibió la denominación de Perspectiva naturalis, (en la Edad Media conformaría la ciencia Óptica), se ocupa del estudio del fenómeno visual conocido desde muy antiguo, y en el Renacimiento pasó a llamarse Perspectiva artificialis. Permitió generar un sistema representativo basado en la geometría.
Puede afirmarse que la perspectiva como tal ciencia de la representación, nació en la Italia del Renacimiento de la mano de los pintores, de amplia cultura y conocedores de multitud de saberes de la época que hicieron evolucionar sus técnicas lenta y progresivamente durante más de doscientos años (siglos XIII y XIV).
Durante más de trescientos años la perspectiva fue considerada, junto con la anatomía, parte fundamental de la enseñanza del arte y esencial en la formación de los artistas hasta 1800. Importantes artistas y teóricos la ensalzaron. El gran genio de su época, Leonardo da Vinci, afirmó que “La perspectiva es brida y timón de la pintura”.
Los pintores durante generaciones integraron sus conocimientos matemáticos, los estudios conocidos desde la antigüedad sobre geometría, naturaleza de la luz, funcionamiento del ojo…, todo ello unido al estudio de la naturaleza y los fenómenos naturales y, sobre todo, a su experiencia práctica como pintores, arquitectos e ingenieros.
López Vílchez, I., García López, R. and Posse, P. (2016). Perspectiva: Ciencia y magia de la representación. 1st ed. [ebook] ANDALUCÍA • GRANADA. Available at: http://fseneca.es/sociedad/sites/www.f-seneca.org.sociedad/files/guia%20perspectiva.pdf [Accessed 27 Apr. 2016].
El centro del Renacimiento será una Italia fragmentada políticamente en numerosos Estados y ciudades independientes, convertidos en centros culturales y de mecenazgo bajo el amparo de la ricas familias burguesas que los gobiernan: en Florencia los Medicis, en Milán los Sforza, los Montefeltro en Urbino, los Gonzaga en Mantua, y el Papado en Roma.
El hombre se analiza, en vez de como ser creado a imagen y semejanza de Dios, como medida y referencia del Universo. No se elimina a Dios sino que se humaniza su imagen y se diviniza la del hombre. Así, será el objeto central de la manifestación artística, con una importancia aún mayor que durante la Antigüedad clásica. Es la época de la exaltación del individuo como muestra la proliferación de biografías, retratos y grandes mausoleos. El hombre tiene interés por la gloria y la fama individual no sólo en este mundo sino también en el futuro (antropocentrismo).
Paralelamente al descubrimiento del hombre se redescubre la naturaleza, estudiándola con rigor científico, al margen de la intervención divina en sus manifestaciones. La naturaleza era vista como la creación suprema de la obra de Dios y el elemento más próximo a la perfección (otro de los ideales que había que buscar a través de la estética clásica). El conocimiento de la realidad se lleva a cabo por medios empíricos y fruto de ello será el descubrimiento de la esfericidad de la Tierra, el movimiento heliocéntrico de los cuerpos celestes, el conocimiento del cuerpo humano gracias a estudios de anatomía. Es decir, se abren los ojos a un mundo nuevo que se ha de comprender y luego dominar. Teoría de Copérnico Heliocentrismo. (1)
5.2 ¿QUÉ ES LA PERSPECTIVA?
La perspectiva, es una ciencia que permite representar los objetos tridimensionales sobre una superficie bidimensional empleando un lenguaje gráfico fundado en las leyes de la geometría.
En su aspecto formal, permite según la intencionalidad de la obra y la maestría del pintor, no sólo representar fielmente los objetos, figuras, paisajes, arquitecturas… sino que en muchos casos consigue engañar nuestra percepción al confundir lo representado con lo real, tal sería el caso del ilusionismo pictórico, el trompe l´oeil o en términos del castellano del siglo XVII, el trampantojo (trampa ante nuestros ojos).
La perspectiva es la manera de representar elementos u objetos tridimensionales en un espacio bidimensional o plano, para generar la sensación de espacio, volumen o ubicación con respecto al ojo del observador, por lo tanto, es una simulación de lo visible de la naturaleza que permite figurar el efecto volumétrico de los objetos, colocados éstos, a su vez, en un ambiente de falsa profundidad.
La perspectiva es también el arte o técnica de representar los objetos de esa manera, tal como aparecen a la vista. Mediante esta técnica, un artista proyecta la ilusión de un mundo tridimensional en una superficie de dos dimensiones. El ojo estima la distancia en base a la disminución de tamaño de los objetos y al ángulo de convergencia de las líneas (perspectiva lineal). Del objetivo y de la distancia dependerá el que la imagen tenga más o menos profundidad. La sensación de profundidad es puramente ilusoria, pero forma parte de una técnica de composición muy importante.
Una perspectiva estará bien construida a partir del conocimiento y correcta aplicación de los anteriores elementos (PUNTO DE VISTA, LÍNEA DE HORIZONTE, PUNTO DE FUGA, RECTAS, ÁNGULOS Y PLANOS), esto dará como resultado la óptima aplicación de las diversas clases de perspectiva.
NOTA ACLARATORIA 1. Al respecto de las diferentes formas de representación de la perspectiva y con el objetivo de entregar información veraz, algunos tipos de perspectiva que aparecen con diversos nombres, fueron reunidos en un mismo ítems, atendiendo a las características de las mismas, a fin de que en medio de tanta desinformación el visitante pueda tener conceptos claros.
LOS TIPOS DE PERSPECTIVA
Los tipos de perspectiva se agrupan de acuerdo a la cantidad de puntos de fuga que estas usen, estas son:
PERSPECTIVAS CON UN PUNTO DE FUGA:
Es el tipo de representación en el cual todas las líneas ortogonales divergen o convergen en un único punto ubicado sobre la línea de horizonte, se caracterizan porque una de sus caras es paralela al plano del cuadro (Plano de representación). Dentro de esta clasificación pueden encontrarse las perspectivas conocidas como Paralela y lineal.
PERSPECTIVA LINEAL: Sistema matemático para representar objetos tridimensionales sobre una superficie bidimensional mediante la proyección de sus puntos sobre el plano del cuadro con líneas rectas que convergen en un punto elegido de forma arbitraria que constituye el ojo del observador. (PUEDE ENCONTRARSE TAMBIÉN COMO, CÓNICA O FRONTAL), dentro de esta clasificación se encuentran las perspectivas conocidas como CENTRAL O DE PUNTO ÚNICO, estas se diferencial porque no representan objetos tridimensionales, solo se usa el punto de fuga para recrear cualquier espacio con profundidad.
PERSPECTIVA PARALELA: Representación de un objeto tridimensional en una sola vista caracterizada por el hecho de que las líneas paralelas del objeto no convergen en un punto como en la perspectiva cónica. Para la realización de este tipo de perspectiva el punto de fuga deberá encontrarse frente a nuestros ojos.
PERSPECTIVAS CON UN PUNTO DE FUGA
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PERSPECTIVA LINEAL (CÓNICA, CENTRAL)
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PERSPECTIVA LINEAL (FRONTAL)
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PERSPECTIVA LINEAL (PARALELA)
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EUGENIO SALVADOR DALI.
La tentación de san Antonio. 1946. Óleo sobre lienzo. 90 x 119 cm. Musées Royaux des Beaux-Arts de Bélgica. Bruselas.
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ÉTIENNE DUPÉRAC.
Plaza del Campidoglio por Michelangelo Buonarroti. 1556.
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ALBERTO DURERO.
St. Jerome in his Study. 1514. Copper engraving. 25, 9 x 20,1cm. Kupferstichkabinett Staatliche Kunsthalle. Karlsruhe. Alemania.
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PERSPECTIVAS CON DOS PUNTOS DE FUGA:
Son las que se realizan a partir de dos puntos que se ubican sobre la línea de horizonte, en esta clase de perspectiva se encuentran la perspectiva de dos puntos de fuga y la perspectiva oblicua, de la cual lo único que varía será que en la oblicua los objetos representados son tridimensionales.
PERSPECTIVAS DE DOS PUNTOS: Perspectiva cónica de un cuerpo rectangular, de dos caras oblicuas con relación al plano del cuadro, por lo que las líneas verticales y paralelas al plano del cuadro permanecen verticales y las líneas oblicuas convergen hacia dos puntos de fuga, uno hacia la derecha y el otro hacia la izquierda. También llamada perspectiva angular.
OBLICUO: Sistema de proyección por el que un objeto tridimensional se representa mediante un dibujo en perspectiva en el que las caras paralelas al plano del cuadro están dibujadas a escala real y todas las líneas perpendiculares al plano del cuadro tienen una inclinación cualquiera distinta de 90°, a menudo inferior para compensar el aspecto distorsionado. También llamada perspectiva oblicua.
La palabra oblicuo proviene del latín “oblicuus”. En geometría una figura oblicua es aquella que no es perpendicular a un plano, o a una dirección en particular, en pocas palabras, es aquel que no es recto. La oblicua que es un elemento geométrico que no es paralelo ni perpendicular a otro dado. Como adjetivo se usa para describir algo que es diagonal, ladeado o inclinado de la horizontal.
PERSPECTIVA OBLICUA:
Sistema de proyección por el que un objeto tridimensional se representa mediante un dibujo en perspectiva en el que las caras paralelas al plano del cuadro están dibujadas a escala real y todas las líneas perpendiculares al plano del cuadro tienen una inclinación cualquiera distinta de 90°, a menudo inferior para compensar el aspecto distorsionado.
PERSPECTIVAS CON DOS PUNTOS DE FUGA
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PERSPECTIVAS DE DOS PUNTOS
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PERSPECTIVA OBLICUA
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PERSPECTIVAS CON TRES PUNTOS DE FUGA.
Este tipo de perspectiva es en esencia una perspectiva oblicua. También conocida como PERSPECTIVA AÉREA O DE VUELO / VISTA DE PÁJARO, es el tipo de perspectiva que se realiza teniendo como base tres puntos de fuga, dos ubicados sobre la línea de horizonte y uno sobre el eje vertical; es necesario hacer una aclaración al respecto de este tipo de perspectiva, pues en algunas descripciones de la misma se tiende a confundir la perspectiva de tres puntos u oblicua con la perspectiva atmosférica, es necesario tener en cuenta que la perspectiva atmosférica o por color tiene como objetivo generar la sensación de profundidad o vacío por medio de la aplicación del color y puede hacerse con cualquier tipo de perspectiva o sin esta. La perspectiva con tres puntos de fuga sirve para dar la sensación de una altura elevada. Normalmente con esta perspectiva solo se manejas dos tipos de línea de horizonte, la alta y la baja.
PERSPECTIVAS CON TRES PUNTOS DE FUGA
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PERSPECTIVA OBLICUA
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PERSPECTIVA CON LÍNEA DE HORIZONTE ALTA
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PERSPECTIVA CON LÍNEA DE HORIZONTE BAJA
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PERSPECTIVA AXONOMÉTRICA:
Método de representación gráfica para representar volúmenes en un plano, mediante la proyección ortogonal (Ortogonal es un adjetivo que se emplea para nombrar a aquello que se encuentra en un ángulo de 90º. Se trata de una noción que, en el caso de los espacios euclídeos, es equivalente al concepto de perpendicularidad), referida a tres ejes (XYZ), de tal manera que conserven sus proporciones en alto, anchura y longitud. Dentro de esta clasificación se encuentran las perspectivas Isométrica y caballera.
PERSPECTIVA ISOMÉTRICA: Es una especie de división de la perspectiva axonométrica, en la cual los ejes ortogonales o ejes de proyección están separados entre sí 120°, mientras que en la original perspectiva axonométrica, a diferencia del eje vertical y que hace referencia a la altura de los objetos, los otros dos ejes (profundidad y Anchura) pueden estar dispuestos en cualquier ángulo
PERSPECTIVA AXONOMÉTRICA
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PERSPECTIVA AXONOMÉTRICA
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PERSPECTIVA ISOMÉTRICA
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Crucifixion. Corpus hypercubicus. 1954. Óleo sobre lienzo. 194.5 x 124 cm. Donación de Chester Dale. The Metropolitan Museum of Art. New York. USA.
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OTROS TIPOS DE PERSPECTIVA USADOS EN LA PLÁSTICA.
A diferencia de otros campos del conocimiento en el arte suelen usarse otros tipos de perspectiva que no están condicionados a las leyes de la geometría, por cuanto surgen de la necesidad de representar otros significados y conceptos que van desde lo cultural a lo religioso, estos otros tipos de perspectiva usados en el arte son:
Atmosférica.
Jerárquica o de importancia.
Tamaño.
Forma o detalle.
Cristalina:
PERSPECTIVA ATMOSFERICA: Es el método con el cual se produce una sensación de profundidad en una pintura, al imitar el efecto de espacio que hace que los objetos se vean más pálidos, azules y nebulosos o menos distinguibles a distancia media y lejana, este tipo de perspectiva también es conocido como de TONO Y MATIZ O COLOR.
El término fue acuñado por Leonardo da Vinci, pero la técnica pudo haber sido empleada ya en las antiguas pinturas murales grecorromanas de Pompeya. Se descubrió que el polvo y la humedad en el ambiente causaban la dispersión de la luminosidad; siendo la luz de longitud de onda corta (azul) más diseminada y la luz de longitud de onda larga (roja) menos esparcida.
Los pintores italianos de los tiempos de Leonardo usaron el procedimiento; siendo aprovechado en el siglo XV por los artistas europeos del norte y después por Joseph Mallord William Turner. (1)
NOTA ACLARATORIA 2. Al respecto de las diferentes formas de representación de la perspectiva y más específicamente en la perspectiva atmosférica, esta no puede ser confundida con la perspectiva aérea por dos rezones fundamentales, 1. La primera no es sinónimo del uso o aplicación de la segunda, puesto que la sensación de profundidad se puede conseguir también con otros tipos de perspectiva o en el caso más relevante sin el uso de esta, esto está demostrado en las pinturas del inglés William Turner y, 2. Porque la perspectiva aérea no busca la sensación de profundidad, sino de espacialidad y altura.
PERSPECTIVA JERÁRQUICA O DE IMPORTANCIA: Se trata de un recurso artístico denominado "perspectiva jerárquica", que permite destacar o concentrar la atención en determinados aspectos narrativos, utilizando para ello la distorsión del tamaño de las figuras. Así, en una misma representación pueden interactuar personajes mostrados con escalas que a veces pueden ser muy dispares, llegando incluso a generarse la sensación que unos son gigantescos, mientras que otros pueden llegar a resultar minúsculos
PERSPECTIVA DE TAMAÑO: Objetos de igual tamaño, a distancias distintas, proyectan imágenes cuyos ángulos visuales son inversamente proporcionales a sus distancias.
PERSPECTIVA DE FORMA O DEL DETALLE: Pérdida de la visibilidad de los pormenores de los objetos con la distancia.
PERSPECTIVA CRISTALINA: Convención figurativa donde dos o más hechos de una narración se representan juntos en una misma imagen. Es especialmente corriente en el arte medieval, pero en ocasiones también aparece después.
OTROS TIPOS DE PERSPECTIVA USADOS EN LA PLÁSTICA.
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PERSPECTIVA ATMOSFERICA
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PERSPECTIVA JERÁRQUICA O DE IMPORTANCIA
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PERSPECTIVA DE TAMAÑO
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JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER.
Amanecer con monstruos marinos. 1845. Óleo sobre tela. 91.5 x 122 cm. The Tate Gallery. Londres.
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ANÓNIMO ROMÁNICO.
Pinturas del ábside. Saint Climent de Taüll. Museu d'Art de Catalunya. Barcelona. España.
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PERSPECTIVA DE FORMA O DEL DETALLE
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PERSPECTIVA CRISTALINA
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GUIDO DI PIETRO DA MUGELLO. (FRA ANGELICO)
La predicación de San Esteban y La disputa. 1447-1449. Fresco. 322 x 412 cm. Capilla Niccolina. Palacio Vaticano. Roma. Italia.
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6. COMPOSICIÓN POR PROPORCIÓN.
Proporción es un término que procede del vocablo latino proportĭo. La proporción es la relación, la correspondencia, el equilibrio o la simetría que existe entre los componentes o partes de un todo o entre los elementos de un conjunto y viceversa, es decir, la relación, la correspondencia del todo con sus componentes o partes. Se puede decir que algo está proporcionado o desproporcionado dependiendo de que la relación entre las partes, las partes y el todo y el todo y sus partes se encuentren en equilibrio.
FUNCIÓN DE LA PROPORCIÓN EN EL ARTE
La proporción es un principio con el que se busca la organización de una obra. Esta organización busca una armonía que se estableció como característica desde el arte clásico, en la actualidad cuando una obra presenta una desproporción es porque a diferencia del arte clásico, en esta desproporción intencionada y controlada por el artista tiene un sentido, la búsqueda de la expresión. Por otro lado, la proporción es una forma de medida no necesariamente matemática, pero que permite de la misma manera mantener la relación de una parte o un elemento con el resto, un ejemplo de esto puede encontrase en una receta de cocina o en la mescla de colores.
Cuando se habla de proporción en el arte se hace referencia a dos elementos:
1. A la proporción como componente de un todo y que para este caso se denomina Canon (este concepto de proporción será tratado en la unidad referida al cuerpo humano) o,
2. Como soporte en la construcción compositiva, y que será el elemento que vincule o unifique a las partes con el todo.
De acuerdo con lo tratado en esta parte de la unidad nos ocuparemos de la proporción en su segundo referente. Y para lo cual debemos establecer que, cuando hacemos alusión a la proporción, casi siempre y por lo general se está hablando de PROPORCIÓN ÁUREA
¿QUÉ ES LA PROPORCIÓN ÁUREA?
La proporción áurea es un número irracional que descubrieron pensadores de la Antigüedad al advertir el vínculo existente entre dos segmentos pertenecientes a una misma recta. Dicha proporción puede hallarse en la naturaleza (flores, hojas, etc.) y en figuras geométricas y se le otorga una condición estética: aquello cuyas formas respetan la proporción áurea es considerado bello.
Esta proporción, que también suele mencionarse como Razón Áurea, Número Áureo, Divina Proporción, Número De Oro, Razón Extrema Y Media, Razón Áurea, Razón Dorad o Media Áurea, incluso solía ser señalada por sus supuestas propiedades místicas. Su ecuación se expresa como 1 más la raíz cuadrada de 5, todo sobre 2, y el resultado es aproximadamente igual a 1,61803398874989…
Puede decirse que la proporción áurea surge de la relación entre un segmento a y un segmento b. El segmento a es más extenso que el segmento b, mientras que la longitud total de la recta es, al segmento a, como el segmento a es al segmento b.
Si ponemos la proporción áurea en una expresión algebraica, obtenemos la siguiente ecuación: (a + b) / a = a / b. El número áureo, representado por la letra griega φ (phi) (en minúscula) o Φ (Phi), es el resultado de la división entre a y b.
Otra manera de entender la noción de proporción áurea consiste en hallar la siguiente equivalencia, reflejada también en la expresión algebraica anterior: si tomamos un segmento y lo cortamos en dos, el cociente de la división de la longitud de la recta (a+b) y la longitud del segmento más largo (a) debe ser idéntico al cociente de la división de la longitud del segmento más largo (a) y la longitud del segmento menor (b).
Un concepto íntimamente ligado al de proporción áurea es la SUCESIÓN DE FIBONACCI, descubierta por el matemático italiano Leonardo de Pisa, también responsable de la difusión del sistema árabe de numeración en el continente europeo. Dicha sucesión presenta una secuencia infinita de números en la cual la suma de cualquier par da como resultado el número siguiente (0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, etcétera). Curiosamente, si dividimos cualquier número de la sucesión de Fibonacci por el que lo precede (especialmente a partir del 5) nos da un resultado que se aproxima al número áureo.
Aunque su definición resulte abstracta y algo difícil de entender, la aplicación de la proporción áurea es importante en la fotografía, la pintura, la escultura y otras artes que suelen vincular el ideal de belleza a las simetrías y las proporciones.
La representación gráfica de la proporción áurea, que se obtiene trazando una serie de rectángulos y uniendo algunos de sus vértices con una línea espiralada, da como resultado la conocida Espiral de Oro, la cual se encuentra muy frecuentemente en la naturaleza (dos ejemplos son las conchas marinas y las semillas de girasol). En la fotografía, el uso de dicha figura para ubicar los diferentes objetos puede ofrecer resultados impresionantes, con una armonía y una fluidez que reflejan el espíritu de la escena.
A pesar de los beneficios que puede traer la proporción áurea a la fotografía, los expertos recomiendan usar este concepto como una guía, en lugar de convertirlo en una estructura rígida que impida la composición espontánea y creativa de las imágenes. Además, es importante resaltar que no todas las cámaras tienen las características adecuadas para su aplicación (por ejemplo, por contar con sensores cuadrados, ya que la espiral completa abarca un rectángulo, o sea que es más ancha que alta), y eso no significa que no sean capaces de realizar buenas capturas.
Del mismo modo, la aplicación de la Espiral de Oro en la pintura y la escultura puede elevar los resultados, pero de ninguna manera debería convertirse en el único camino hacia la creación de obras artísticas. (1)
EL SEGMENTO ÁUREO
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Es un segmento dividido en dos partes de forma que se cumple la igualdad (a+b)/a = a/b, donde (a+b) es el total del segmento, a la parte más grande y b la parte de menor tamaño.
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RECTANGULO ÁUREO
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SUCESIÓN DE FIBONACCI: Partiendo desde el número uno, la sucesión de Fibonacci consiste en ir sumando el resultado de la última operación con su mayor sumando. Es decir: 0+1=1, 1+1= 2, 1+2=3, 2+3=5, 3+5=8, y así sucesivamente.
NÚMERO DE ORO: Conocido desde hace siglos, el número de oro –también llamado número fi o número áureo está asociado a la belleza y a la naturaleza. Se representa con la letra griega “phi” (φ), se pronuncia “fi” y su valor es 1.61803398874989… Se trata de un número irracional, pues cuenta con infinitos números decimales no periódicos.
FIBONACCI Y LA PROPORCIÓN DORADA (DOCUMENTAL)
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En el arte son varios los ejemplos de composición por proporción
COMPOSICÓN POR PROPORCIÓN
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VIDEO
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Otros sitios en donde puedes aprender más sobre la proporción áurea:
LA RAZÓN ÁUREA SE ENCUENTRA EN TODAS PARTES (haz click aquí)
LA BELLEZA DE LA PROPORCIÓN, LA RAZÓN ÁUREA EN LA WEB (haz click aquí)
BUSCANDO LA PROPORCIÓN PERFECTA (haz click aquí)
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